小提琴琴弦应该怎么选择

　　为一件乐器选择最适当的琴弦时应该把演奏者听到的乐器声音、当前使用的琴弦类型和品牌、演奏者期望的声音联合起来考虑。那么如何挑选小提琴的琴弦呢?下面是小编为你整理的小提琴琴弦的选择，希望对大家有帮助!

　　小提琴琴弦的选择​

　　Thomastic – Spirocore. 发音明亮而锐利。在需要大量明亮声音的大提琴演奏者中非常流行。 卷绕钨丝的大提琴G和C弦具有高度张力和很大的声音。银的G和C弦的声音少一些尖锐程度。 Spirocore的贝司弦在主要玩拨奏的音乐家中最流行。

　　Thomastik – Ropecore. 黑暗而温暖的声调——建议推荐给Zeta电小提琴。 它们在一些乐器上发出比较暗哑的声音。

　　Pirastro – Chromcor. 明亮的琴弦，对于廉价的学生乐器，尤其是小于正常尺寸的乐器来说最为出色。 ·

　　Pirastro – Chromcor Plus. 大提琴的A和D，以及中提琴的A常被选用。这些弦具有比常规Chromcor更有内涵的声音。

　　Pirastro – Permanent. 常被选用的仅有中提琴和大提琴的A弦。 高质量的弦，具有温暖的声音。尤其是与羊肠弦配套特别好。

　　D'Addario – Helicore. 这些弦有温暖的声音。对于钢芯弦很不寻常。 大提琴和小提琴演奏者尤其喜欢它的G和C弦。 玩电子提琴的小提琴手也喜欢这些弦。 虽然刚推出不久，Helicore Orchestra的贝司弦颇受好评。 D'Addario不久前宣告了Helicore贝司弦的推出，它们具有混合用途，同样可以用于拨奏和独奏。拨奏是指不用弓，仅仅弹拨。独奏版本是把管弦乐队用弦设计成可以达到独奏调音。 Jargar 这些弦流行不过几十年，现在有了许多选择Jarger A弦的大提琴演奏者。 另外，用银卷绕的G和C线可以发出更明亮、辉煌的声音。 与其他全金属弦相比，Jarger有温暖的声音。

　　Larsen. 这些价格很好的弦被推出仅数年，却因为它们纯粹、清楚的声音在大提琴演奏者中变得流行了。 “独奏版”的Larsen弦有更明亮、辉煌的声音。 大提琴手常选用Larsen A、D和G(钨)，中提琴常选A弦。

　　Prim. 这些廉价、明亮的弦发音尖锐，在民间小提琴手和一些大提琴演奏者中很流行。响应非常灵敏。 低价格和耐久性使这些弦在很多学校中流行。

　　尼龙弦 合成材料制作的弦被称作尼龙弦，目前通常使用一种叫做perlon(贝伦)的尼龙做芯，具有丰富、饱满的音质和轻松、快速的响应。 虽然声音不如羊肠弦那样复杂或微妙，尼龙弦在音质方面与羊肠弦非常接近。另外，尼龙弦乐器不需要经常调音，在乐器上拉伸一两天之后即稳定下来。

　　Thomastic – Dominant. 最初的尼龙弦用Perlon制作。由于它的声音明亮和响应好而非常流行， 新的Dominant声音如同金属弦般锐利，玩几天之后即变弱。

　　Pirastro – Tonica. 这些弦新近出现在市场，有很多优秀的品质。 象Dominant那样明亮，Tonica弦具有更多的泛音和更少的尖锐度，有更饱满的声音。 新弦的不稳定时间非常短，被报告有长的寿命。

　　Pirastro – Aricore. 这是Pirastro最早生产的尼龙弦系列。 声音温暖，而且象Eudoxa那样甘美。 D，G和C在需要更暗声音的大提琴演奏者中相当流行。

　　Pirastro – Synoxa. 明亮程度与Dominant非常相似。 银的大提琴G和C与Jarger钢弦A和D一同工作非常好。

　　Corelli – Crystal. 这些弦对于发音过于明亮的乐器来说最为出色。 他们能减少许多过于明亮乐器刺耳的程度，发出温暖、饱满的声音。

　　Corelli – Alliance. 这些价格很好的弦使用kevlar(凯夫拉)作芯。 它们的声音在丰满和复杂之外比Corelli Crystal更加明亮。 Alliance弦也好象有比最其他尼龙弦更长的寿命。

　　羊肠弦 羊肠芯的弦拥有最为丰富和微妙的声音。 经常被专业古典音乐家使用，羊肠弦丰富的泛音产生温暖、饱满而复杂的声音。 但是羊肠弦容易受到气候影响，新弦在第一个星期内总是跑音(变低)。 它们的寿命不如金属或尼龙弦，价格却更高。初学或者中等程度的提琴手通常不使用羊肠弦。

　　Pirastro – Olive. 这些高级的弦具有丰富、复杂的泛音，声音明亮，有相对比较快速的响应。 Olive E弦是镀金的，有异乎寻常纯粹、清楚而且辉煌的声音。

　　Pirastro – Eudoxa. 推出尼龙弦之前曾经是最流行的琴弦，有温暖，甘美的声音。响应比Olive或尼龙弦慢一些。更适合用于一些古老的乐器，在其他琴上声音较暗。

　　Pirastro-Gold Label. 与其他Pirastro羊肠弦相比声音居中，价格稍低，比较实惠。 仅有适中的标准尺寸。 小提琴E线音色明亮，非常流行。

　　小提琴演奏的十大关系

　　一、 人体与乐器：林耀基认为小提琴演奏家和歌唱家相比，有一个先天的遗憾，歌唱家的声带长在人的身上，小提琴家的乐器是身外之物。要想使小提琴的声音接近歌 唱，就必须将琴和人体紧密地结合在一起。他经常幽默地批评那些持琴过于松懈的学生“琴和脖子中间可以飞过一只麻雀”。他主张持琴要尽量贴近脖子，使琴变成 人体的一部分。弓子好像歌唱家的气，也要成为人体的一部分，五个手指巧妙地和弓子相结合，使弓子变成右臂的延伸。正确的姿势，是演奏者良好的基础。

　　二、 琴弓与琴弦：用弓毛摩擦琴弦，使琴发出声音，是小提琴演奏的第一步。在弓毛作用于琴弦的过程中充满了矛盾。压力大小、弓速快慢以及接触点和角度等，都是直 接影响发音的重要因素。林耀基精辟地提出运弓要“一直、二平、三稳”。“直、平、稳”便于解决各种弓弦矛盾，发出“匀、准、美”的声音。

　　三、 左手与右手(左臂与右臂)：小提琴演奏者和钢琴演奏者相比，也有一大遗憾：钢琴演奏者的两个手臂的姿势是一致的;而小提琴演奏者的两个手臂的姿势却截然不 同，左右手经常出现互相干扰和“分家”的情形，这是小提琴(包括所有弦乐器)演奏者身上出现的最突出的矛盾。林耀基简明地提出“动作要分家，演奏不分 家：。关于这一点，他曾有详细的解释：“两手的动作和感觉虽然不同，但我们的音乐表现必须是一致的，也就是说左右两手的动作必须统一在共同的音符上。这就 要求双手彼此相通，保持默契。经过体察，我们发现把弓放在弦上，左右手两极就通过弓与弦接通了。弦乐器演奏的外形很像一个能伸缩的大环，琴身被人夹住，好 象固定这个大环的梁。这个大环由人体、琴身、弓子三个部分组成，所以有三个连接点：左手持琴按弦点、右手握弓子和弓弦接触点。如果在演奏时能使这三点有机 地结合在一起，彼此气息相通，我们就可以自由自在地‘歌唱’。”林教授还有一个神话般的口诀：“三点相通声音通，点点相连显神通，三点合成一颗珠，串起珠 子闹天宫。”讲的就是三个点互相联结的重要性。

　　四、部位与整体：在小提琴演奏中，人体(主要是双臂)每个部位的动作是不同的，但又 联合为一整体。既要分清部位、各守岗位，更要紧密配合。对于左手，林耀基有这样一个口诀：“指根发力到指尖，手指关节不发蔫，指头轮休存耐力，手指独立实 又坚。”对右手也有一个口诀：“肩肘腕指环扣环，整体动作不零散，上臂下臂联合动，大刀阔斧声音宽。”都具体明确地阐明了部位与整体的关系。 小提琴内在 的六大关系是：

　　五、用力与放松：很多人在演奏时从心理到身体都常常出现“紧张”状态。多年来“放松”的课题贯穿在小提琴教学之中。 但对“放松”这一概念的理解却不尽一致。林耀基认为“放松就是去掉多余的力”。演奏小提琴是一种运动，运动就需要力。持琴、握弓、左右手的演奏都需要一定 的力。重要的是在演奏的不同情况下，用什么样的力，用多少力。用力是否适当，是“放松”和“紧张”的分界线。 比如运弓，弓子和右臂的自身都有一定的重 量，在演奏时“弓放弦上，手放弓上”所产生的力量“1+1=2”。充分运用这两个自然重量，演奏就会省力，省力就是放松。相反，如果用了多余的力把弓子过 紧地抓起，这个多余的力就会把弓子的重力抵消，两者的力量不是相加而是相减：“1-1=0”，这样演奏就会费力，就会出现“紧张”状态。由于杠杆的原理， 弓子在运行时随着部位的变化，作用于弦的重力也在不断地变化，要想奏出均匀的声音，就需要手指手臂的调节，增减变换所用的力量。如果我们用的是最低限和最 必要的力，这个力的绝对值再大也不能叫做“紧张”。林耀基经常对学生说：“我们所说的放松不是睡觉时的绝对放松。”而要在“运动中寻求放松”。“放松”的 原则不仅体现在运弓上，它要体现在整个演奏大环之中，它要贯穿演奏的全过程。

　　六、动与静：事物的运动是绝对的，但在绝对运动之中存 在着相对静止，没有相对的静止，也就无所谓运动，两者互相依存，相辅相成。小提琴演奏中也存在着“静”的因素，抓住“静”的因素十分重要。比如左手手指按 住琴弦以后就要安静下来，否则音准将遭到破坏。保留指更要安静，不能受其他手指运动的牵连。对右手运弓，林耀基提出的“手动弓静”，弓子运动要“一直二平 三稳”，都是强调了静。有时也要强调“动”，在演奏慢弓长音时，就要强调弓子的流动性。在表达音乐时更要把握动与静的统一，演奏快速流动的音群，要用冷静 的头脑和安静的耳朵树立“静”的支柱;演奏慢速乐段、极慢乐章，要多体会它内在的动力。汹涌的波涛下面有静静的海底，平静的河面下面有奔腾着的暗流，“动 中有静，静中有动”。

　　七、变化与稳定：音乐是流动的建筑。由于不同音符的无限组合和人的感情的多彩，这一建筑也是变幻无穷。面对这 千变万化，往往使人的演奏越变越乱，陷入迷茫。针对这一状况，林耀基提出在“变化中求得稳定”。 节奏是音乐的轴心。节奏的均匀和准确、拍律的稳定(特殊 处理除外)，要像心脏跳动一样，不能出现“心率不齐”。林耀基经常提醒学生要有“松弛感觉、坚定的节奏”。音高的准确，发音的优美等，都是这一建筑的“标 准件”，不管旋律如何进行，音符如何跳动，力度、音色、感情色调如何变化，这些“标准件”都是不容破坏的稳定因素。对那些单调而缺乏音乐表现力的演奏者， 应该让他们注意音乐的变化。变化与稳定同样是相辅相成的，“变化中有稳定，稳定中有变化”。

　　八、空间与时间：音乐是时间的艺术。遗 憾的是，乐器占有一定的空间。小提琴四条弦之间、手指与琴弦之间、同一弦上音与音之间都有一定的距离，弓子的运行又有上下两个方向。所以在演奏中需要平凡 地换指、换把、换弦和换弓，使小提琴演奏产生了空间障碍，正所谓“换字易冒尖，问题在空间”。这个空间障碍往往影响音符时值的准确，破坏了时间的艺术。为 了克服空间障碍，解决四换难题，林耀基提出减少空间，争取时间。他告诉演奏者们，左右手在演奏中要走近道，不绕多余的路。比如换弦时，弓子的换弦扇面要尽 量缩小角度，右手的垂直运动要尽量缩短路线，左手手指不要抬得过高，在能满足力量需要的前提下，抬的越低越好。 减少空间，争取时间，不仅能保证音符时值 的准确，更重要的是它能扩充每个音符发音的时间，增强乐器的共鸣而产生巨大的空间震动。还有助于减少多余动作，使演奏更加省力，更加放松。

　　九、 感情与理智：丰富的感情是优秀艺术家的必要条件，一个内心没有感情、没有热情和激情的演奏者的演奏，是，没有感染力、不会打动听众的。但是感情过分激动， 缺乏必要的理智，演奏便会失去控制、音不准节奏不匀、音质不准音色不美，使想表现的东西无法表现，自己也在受罪。林耀基主张小提琴演奏者要有冷静的头脑、 火热的心，还认为只有用理智才能合理分配感情，才能达到音乐的充分表现和自我的充分享受。

　　十、共性与个性：一把琴、一根弓和人体双 手构成一个演奏环，通过环的运动演奏出乐曲，并力求完美地表现乐曲的内容和自我的情感。所有好的演奏者都是如此，这是他们的共性。由于人的手和臂大小、长 短、粗细的不同，人的生活经历、思想感情、心理气质以及美学观点的不同，在演奏的姿态和情调上不可能一成不变。 演奏技巧是这样，比如左手拇指的位置是高 点好呢还是低点好，是应该靠前点还是靠后点，对于这个多年争论不休的问题，林耀基认为拇指可以很松动，演奏者怎么舒服怎么拉，他不主张拇指有固定的位置。 事实上，许多演奏家差别很大，柯冈把拇指放在琴颈下面，舍林格确使虎口与琴颈之间几乎没有空隙。但他们都使较弱的小指处于有利地位，使四个手指得到平衡的 发展。其他的环节也是这样，在不违背基本原则的前提下，允许选择适合自己生理特点的姿态。再者，由于演奏者听觉习惯与爱好的不同，音准的观念和音律的选择 也是有所变化的。舒伯特圣母颂开头的小二度，三个一流演奏家的演奏是三个样子，听众都可以接受，都感到美。林耀基要求学生当以旋律为主的时候，照顾旋律， 偏向五度相生律一点，以和弦为主的时候，就要照顾和声，偏向纯律一点，如果与钢琴同度或八度进行，就要用十二均律，和钢琴取得一致。他自己称之为综合平衡 律。不管如何选择和变化，都要使人的听觉乐于接受、得到美的享受。共性即寓以个性之中。

　　在艺术上更是这样，个性在音乐表达中极为重 要。演奏者不仅是乐曲的解析者，还是乐曲的再创造者。每个大师对乐曲的处理都有独到之处。单纯模仿别人、没有创造和个性的演奏是没有艺术价值的。林耀基在 教学中特别善于引导学生发挥自己的特长、树立自己的风格。他经常告诫学生，任何艺术家的方法、音乐表现和艺术思想，都不是绝对真理，绝不能生吞活剥地照 搬。应该吸取的只能是其内在规律性的、带普遍性的东西。他的教学以培养学生的科学性、艺术性和创造性为目的，已突破了传统的以传授知识技能为中心的框框， 进入了现代的以学生主动创造性学习为中心的轨道。